Совсем недавно, Дрезденская галерея Gemäldegalerie, с большой помпой, объявила о завершении реставрации картины Яна Вермеера «Девушка читающая письмо у открытого окна». Теперь она выставлена на всеобщее обозрение. Сенсация произошла в процессе сканирования полотна. Под верхним слоем было обнаружено скрытое изображение...

Я был знаком с этой картиной исключительно по репродукциям….И мне даже в голову не приходило, что в верхней части работы может располагаться Купидон…

Руководитель реставрационных работ четко высказался о том, что картина была изменена после смерти художника. Справедливость восторжествовала, картина обрела свой первоначальный вид.

И вот смотрю я на картину ДО и ПОСЛЕ реставрации и думаю….
А был ли в этом смысл?
….
Впервые, увидев итог реставрации (1980-1993 годов) фресок Микеланджело, я был слегка обескуражен…Почитал все доводы ЗА…Необходимо спасать!!! Новый подход к технике реставрации и т.д.

Подумал: А жаль…
.....
Когда реставрация спасает произведение искусства – это прекрасно!!! Но когда она его ухудшает – это ужасно…
.....
Сейчас я вижу композиционно перегруженную картину Вермеера, где смещены все акценты. Вероятно, картина пожелтела от времени – это понятно. Но сейчас она и дробна по цвету…
Если действительно Купидон был закрашен после смерти художника, то можно поздравить того кто так классно это сделал..
.....
Вот я частенько беру старый холст и поверх него рисую другую картину.. И мне сложно представить, что кому то придет в голову счистить верхний слой…
...
Насколько я понимаю, подобные произведения искусства являются достоянием народа. Так почему же не проводят открытое обсуждение того, что собираются предпринять с тем или иным произведением искусства?!

1. Самое большое количество автопортретов создал Рембрандт.
На сегодня, признаны оригинальными, порядка 90 изображений художника в разные периоды его жизни.

2. Самое большое количество художественных работ создал Пикассо.
Около 13 500 полотен (включая быстрые эскизы), приблизительно 100 000 гравюр, эстампов, порядка 34 000 книжных иллюстраций, плюс скульптуры и керамика. И это не считая салфеток, которыми он расплачивался в ресторанах…

3. Самое большое полотно итальянской живописной эпохи, принадлежащее Тинторетто – «Рай», по мотивам «Божественной комедии» Данте (7м × 22 м), осталось в прошлом достижении. В период пандемии, британский художник Саши Джафри написал «Путешествие человечества» (около 1,6 тысяч метров квадратных)….. Тинторетто, к слову сказать, затратил 12 лет на работу, сделанную с помощью учеников…

4. Самая дорогая картина, на сегодняшний день, как Вы знаете, «Спаситель мира» Леонардо да Винчи - $450,3 млн. Сомневаюсь, что это подлинник, учитывая, что ее так и не выставили в Дубайском музее на всеобщее обозрение.

5. Самое большое количество воды «вылил» на картины Айвазовский. Ему принадлежит более 6000 полотен. Самая большая из его картин, 12 м.кв., была им написана за 10 дней.

6. Самая дорогая скульптура в мире - «Указующий человек» Джакометти. В 2015 году на аукционе в Нью-Йорке, она была продана за $141,3 млн.
Работы Джакометти считаются самыми дорогими на арт-рынке.

7. Самое первое место в «воровском рейтинге» занимает Пикассо. Картины, принадлежащие его кисти, чаще всего похищают из музеев.

8. Самая большая коллекция произведений искусства хранится в Смитсоновском институте в Вашингтоне - 137 миллионов экземпляров.

9. Самый посещаемый художественный музей – конечно Лувр. В 2018 году он побил собственный ранний рекорд – 10 млн. посетителей за год…

10. Самый посещаемый музей мира, и это понятно, в котором собраны не только художественные произведения искусства, но все связанное с культурным развитием – Национальный музей Китая, в Пекине.

«Он нашел архимедову точку, но использовал её против себя, — видимо, только при этом условии он и мог найти её.» из Ф.Кафки…
Именно эта образная фраза, как нельзя лучше, отражает жизнь художника.
Насколько «обнажает» себя художник в своих работах?
(или искусство и есть, по сути, история болезни?)
Меня всегда мучила эта мысль…
…
Или вот еще одна, следом:
- Если в творчестве ты полностью «оголяешься», то личную жизнь определенно стоит спрятать, как можно дальше от всех…
Иначе, как писал Ф.Кафка, в своих дневниках:
«В его затылке вырезали сегментообразный кусок. Вместе с солнцем туда заглядывает весь мир.»…
….
- Вы не задумывались, откуда взялись искусствоведы?
Если бы художники могли словесно описать все то, что они пытались сказать в своих произведениях, нужны были бы искусствоведы?...

Пожалуй, не просто самому художнику «раздеваться на публике» стоя рядом со своим произведением…
…. Хотя сегодня это стало частым явлением))
…
- Разумеется, искусствоведы нужны, ведь они сравнивают разные направления в искусстве, оценивают их влияние на творческую манеру художника, подсказывают «неискушенному» зрителю какие события и перипетии в личной жизни автора повлияли на создание той или иной картины, скульптуры и т.д., и т.п.
Ведь зрителю недостаточно просто видеть, ему нужно понять и усвоить что-то….глубоко скрытое внутри…
А что?
Возьмем «несчастного» Ван Гога. Мы же знаем все: где он жил, что он пил, за чей счет творил, под влиянием чего находился, чем болел, с кем общался, кого любил и т.д.
Сразу стало понятнее его творчество от этого обилия подробной информации..
…
- Недавно посетил одну выставку, со своим другом-дизайнером.
Пришли к моменту начала перформанса. Бородатый седой художник с малярной кистью в рабочих перчатках, под психоделическую музыку, макает кисть в разные ведерки с краской и размашисто малюет на огромном подвешенном холсте. Активно работает…. ладонями и кистью одновременно.
В тот же самый момент еще один художник-скульптор, стоящий поодаль, нанизывает на каркас тряпки, замоченные в жидкой глине. Вполне нормальный для скульптора процесс…
Иногда они переговариваются друг с другом, бросая малопонятные фразы на тему искусства. Видимо дискутируют…
Смотрим с другом и начинаем давить смех. Вокруг все стоят с серьезными лицами, с пониманием смотрят…
Через 40 минут все – свершилось! 2 произведения искусства перед нами.
Публика аплодирует…
Куратор говорит нам о трагизме, переданном через творческие терзания и……. т.д.
Хорошо, что сдержали смех…., хорошо, что объяснила!

А мы подумали………..!

С детства мне были знакомы иллюстрации книг сюжетами, которых являлись картины цикла «Двенадцать месяцев»: Охотники на снегу, Возвращение стада, Сенокос, Жатва, Сумрачный день – П. Брейгеля Старшего. От них веяло сказкой, теплом, неизвестным миром с причудливыми домиками и уютом. Я думал, что этот художник очень веселый жизнерадостный дядька, который любит простых людей, природу и всю красоту окружающего мира.
Став постарше, я случайно обнаружил открытки с картинами Венского музея. И очень удивился, поняв, что Брейгель не веселый художник.

Все любители искусства обожают Питера Брейгеля Старшего, и при этом его жизнь является удивительной загадкой для всех.

1. Не сохранилось даты рождения

2. Не сохранилось места рождения

3. Не сохранилось ни одного изображения художника, созданного при его жизни другими художниками

4. Не сохранилось переписки с кем-либо, мемуаров

5. Не сохранилось упоминаний о родственниках, друзьях, знакомых

6. Не сохранилось автопортретов

7. Неизвестно как он попал в Антверпен, и стал учиться живописи.

8. Неизвестно когда он написал свое первое большое полотно и представил его свету. «Падение Икара», 1555- или 1558 гг…?

9. Неизвестно почему он никогда не писал заказных портретов…

10. Неизвестно почему никогда не изображал обнаженных людей

Как ни грустно, приходится обсуждать только творчество художника… ИДЕАЛЬНО!
Кое-что все же известно..
Родился он в Нидерландах (1525-1530 гг). Возможно в городе Бреда или деревушке Брёгел близ Брабанта.
Учился живописи в мастерской у Питера Кука ван Альста в Антверпене.
В 1551 году появилась первая запись, упоминающая о вступлении Питера Брейгеля в гильдию живописцев имени Святого Луки.
Долгое время работал в граверной мастерской «Четыре ветра».
В 1563 г., с женой, перебрался в Брюссель.
В 1565 г. он создает знаменитую серию Времена года, для календаря (сохранилось 5 картин из 6, или 12).
А в 1569 г. художник умер. Причиной смерти живописца стало неизвестное заболевание.

До наших дней дошло не более трети произведений, созданных нидерландским художником. Его картины находятся во многих музеях мира, около трети из которых - в Венском Музее Истории Искусств. К сожалению, в Российских музеях его полотна отсутствуют.

Хотел поделиться одним интересным открытием!
Созерцал недавно картину «Возвращение блудного сына» Рембрандта и обратил внимание, что написана она в год его смерти 1669-й. Соответственно - ему было 63 года. Подумал о том, что нет особой разницы в манере письма, нажатии на кисть, энергетике, между этой работой и его картинами 20-летней давности…
Почему 20-летней?
Хотя бы потому, что для зрелого художника, это самый активный творческий период.
Вспомнил картины других художников на сюжет притчи о блудном сыне, до Рембрандта и после него, вплоть до сегодняшнего дня..
Все, что было до, откровенно - не интересно… проигрывает и композиционно, и психологически…
Все, что после, в разной степени тиражирует Рембрандта…
Несмотря на статику рембрандтовской картины, идея сильнейшая…

Но…. Вернусь к мысли))
А может ли художник сохранять творческий потенциал до глубокой старости?
Ведь написание любой картины, предполагает расходование огромного количества физических, душевных, энергетических затрат. Иначе это не картина, или это не художник…

Вспомнил несколько художников – долгожителей:
- Поль Сезанн – 67 лет
- Эль Греко – 72 года
- Василий Кандинский – 77 лет
- Эдвард Мунк – 80 лет
- Франсиско Гойя – 82 года
- Клод Моне – 86 лет
- Пабло Пикассо - 91 год
- рекордсмен Марк Шагал – 97 лет

1. Поль Сезанн, в последний год своей жизни писал исключительно свой сад, в Эксе, и садовника Велье. Не могу найти каких-либо отличий в манере письма, сравнивая с работами 10-летней давности. Полное растворение художника в картине.

2. Эль Греко Про жизнь художника, известно мало, но последние работы, тем не менее, датируются с 1610 - по 1614 годы. Картина «Лаокоон», на мой взгляд, ни чем не уступает работам более ранним. И даже напротив, цельнее и выразительней, по сравнению с некоторыми предыдущими полотнами… Темная палитра объясняется исключительно отсутствием средств на богатую красочную палитру…

3. Василий Кандинский.
«Сдержанный порыв» принадлежит к одной из последних работ абстракциониста. В этот период в его творчестве превалирует фигуративность, картины, возможно, менее экспрессивны, чем 20 лет назад, но связано это, исключительно, с изменением мироощущения…И, нет никакого отличия с картинами 10-летней давности.

4. Эдвард Мунк . Картина «Между часами и кроватью», была одной из последних. Конечно, есть ощущение «потерянности». Может, я ошибаюсь? Во всяком случае, в твердости его руки сомневаться не приходится..

5. Франсиско Гойя, написал «Портрет Хосе Пио де Молина» в конце творческого пути. Есть ощущение творческой «усталости» в заказных портретах, на мой взгляд, но профессионализм в высшей степени, присущ всем работам и зрелым, и поздним.

6. Клод Моне, разумеется продолжал писать кувшинки в пруду, до последнего вздоха..))
Но, я нашел чудесный пейзаж «Порт д`Аваль», написанный в том же году. Абсолютно в стиле зрелого Моне - никаких отличий.

7. Пабло Пикассо.
«Лежащая обнаженная и голова» - последняя работа Пикассо. Выполнена легко и непринужденно, в свойственной художнику манере…

8. Марк Шагал.
Литография «Молодость» одна из целого ряда последних работ. И как обычно - О ЛЮБВИ….

Не заметил я «творческого бессилия»…

Один из известнейших японских мастеров гравюры эпохи Эдо, создал порядка 5000 гравюр.
Всем известно влияние японской гравюры на импрессионистов и часто упоминается в истории искусства, но мало говорят о воздействии на современное, сегодняшнее искусство и дизайн.
Посмотрите на его триптих «Коты 53 станций Токайдо» (1847) - это абсолютно современное творение с точки зрения тематики и подхода.

Вы согласны со мной?

Любопытно, что все коты разные и рядом с каждым написано название реальной станции.
Утагава, как и все японцы, любил бывать в театре кабуки и часто рисовал фрагменты представлений.
Но, увы, в 1842 году, были приняты «реформы» и художникам запретили изображать тех кто «разлагает нравственные устои» : гейш, музыкантов, актеров...
Ничего не напоминает?
Чтобы избежать ареста художник заменил лица людей - кошачьими мордочками.
Работы этого художника очень ироничны и подчас сатиричны.

1. Белый лист (белый холст)…..
Все художники испытывают дискомфорт при начале работы на белом поле.
Любая точка на листе (холсте) несет смысловую нагрузку, поэтому возникает неуверенность, в каком месте поставить первый акцент. Есть те, кто сразу тонируют холст (лист), есть те, кто намеренно хаотично в экстазе наносит краски, чтобы только убрать сопоставление к белому, которого нет в природе в чистом виде. А некоторые и вовсе берут в работу исключительно старую пожухлую бумагу или испачканный в краске холст.
Я тоже предпочитаю старую бумагу, «видавший виды» картон или старый холст.))

2. Чистота в мастерской……
Нет ничего хуже для творчества, чем отлично убранная квартира или мастерская. Творческий процесс не происходит с «чистыми руками», даже пыль – живописна))
Не говоря уже о том, что краски имеют свойство разбрызгиваться, а тушь, например, разливаться))

3. «Плохой» свет…
Творческие люди, особенно живописцы, тяготеют исключительно к дневному свету.
Солнечные блики на оконном стекле - это феерия красок. Что может быть красивее игры света?
Электрический свет разрушает неповторимую светотень, упрощает объем и создает раздробленность деталей..

4. Зритель в момент работы…
Что может являться большим раздражителем для художника, чем праздный зритель в момент творческого самовыражения? А если он(а) еще и комментатор, высказывающий свое понимание происходящего))
«Нет повести печальнее на свете»))

5. Неудовлетворенность содеянной работой….
Самое сложное в творчестве - вовремя остановиться… Нет, я не о том когда завершить картину, это знает любой художник, когда все уже высказано, я говорю о том, чтобы спустя определенный промежуток времени, не начать ее переделывать….

Хотел сказать несколько слов о красках для живописи по холсту.
Их не много, в основном – масляные и акриловые..
Весь интернет пестрит информацией: чем писать, как писать и на чем))
Лучше понять ЗАЧЕМ))

Мне довелось повидать художников, которые освоили на 100% технологию подготовки холстов (на века), технологию владения материалом для живописи (на столетия))…

Мое убеждение состоит в следующем:

1).Если художнику нечего сказать – он занимается подготовкой поверхностей, смешиванием пигментных составов, экспериментами по сочетанию различных красок и т.д. …

2).Проводить экспертный анализ материалов и основ для живописи, стоит уже в старости, когда рука не держит кисть, а сказать есть чего))

Бывает так, что у Вас нет возможности взять для работы масляные краски: Royal Talens "Van Gogh" или "Rembrandt", не хватает денег на акриловые краски производителей: Maimery, Winson&Newton или Ferrario…., как быть?

Не отчаиваться!!!

1.Нужно брать те российские масляные краски , которые содержат больше пигмента в процентном отношении!

2.Если писать на лаке, то цвет остается насыщенным и объемным, да и краски сохнут быстрее….

3.При использовании хорошего льняного масла появляется благородная матовость..

4.Краски «Неаполитанская палитра» придадут живописи мягкость и красоту замесов..

5.Российский акрил имеет очень плохую укрывистость, но при использовании качественных растворителей, вместо воды, можно добиться объема и глубины…

Совсем недавно прошла интереснейшая выставка в Штутгарте.
Спасибо друзьям, показали и просветили…
Никогда ранее не видел этих графических работ замечательного Фреда Ульмана. Они публиковались, когда-то, в старом-старом каталоге, который нынче продается, разве что, в антикварных магазинах Англии…
К сожалению, в русcкоязычных публикациях об этом художнике практически не упоминается.

Родился он в Штутгарте ( 1901 г.). Именно там он сформировался, как художник. В 1933 г., будучи евреем, вынужден бежать во Францию, с приходом Гитлера к власти, а затем в Англию.. В 1940 г., в Англии, он был арестован, вместе с тысячами беженцев и отправлен в заключение, где и создает цикл из 38 графических рисунков…

Эти работы и сегодня, были бы известны только в узком кругу, если бы не выпущенная книга «Воссоединение», написанная Ульманом, а в дальнейшем экранизированная.
На этой «волне» вспомнили, что писатель еще и художник, хотя все наоборот…!!!

Очень чувственный тонкий художник, объединяющий в себе нестандартное восприятие окружающего мира, с нестандартным видением художника.

Пожалуй, нет ни одного образованного человека (или не очень..образованного)), который бы не высказался, хоть раз в жизни, о «Черном квадрате» К.Малевича.
Попробуем разобраться, что же так будоражит воображение людей…..

Квадрат - древнейший символ, олицетворяющий 4 стороны света, 4 времени года, 4 человеческих возраста, 4 основных элементов мира (огонь, вода, земля, воздух), а также союз 4 стихий.
1. В китайской традиции - квадрат это Земля. Совместное изображение квадрата и круга - соединение Инь и Ян.

2. В буддийской традиции - квадрат - земной план существования.

3. В греко-римской мифологии – квадрат - символ Венеры, женской плодородной силы.

4. В индийской культуре - символ порядка во вселенной. Он лежит в основании храма или священного центра, в основании ступы и т.д..

5. У Пифагора - квадрат символизирует душу.

6. В Средневековье - Корнелиус Агриппа назвал черный квадрат - квадратом Сатурна.

Многие верили, что в нем заключается тайна алхимии.
Символ черного квадрата, куба, прямоугольника часто использовался в картинах.

Роберт Фладд, картина "Великая тьма" (написана в 1617 г). Именно так английский мыслитель и философ изобразил пустоту мира до его сотворения.

Берталь «Вид на Ла-Хог (ночной эффект), Жан-Луи Пети» (написана в 1843 г.)

Гюстав Доре, использовал черный квадрат в книге «Живописная история Святой Руси»

Наконец, «Черный прямоугольник» Пола Било появился в 1882 году в Париже на выставке «Exposition des Arts Incohérents» Картина называлась: «Битва негров в туннеле»

В 1893 году эта идея была подхвачена Альфонсом Алле, писателем и юмористом. Он создал на холсте такой же прямоугольник с названием «Битва негров в пещере глубокой ночью».
Затем он создал еще одну картину, представляющую собой — чистый лист бумаги, под названием "Малокровные девочки, идущие к первому причастию в снежной буре".
На выставке 1894 года он представляет еще одну картину - красный прямоугольник под названием "Апоплекcические кардиналы, собирающие помидоры на берегах Красного моря". Затем художник написал: Синий, Зеленый, Серый прямоугольники и выпустил книгу с этими работами, дополнив их пустой музыкальной партитурой под названием "Траурный марш для глухих".

И только 17 лет спустя появилась всем известная картина Казимира Малевича «Черный квадрат», с намеком.. на философию.
А кто породил эту философию? Сам художник?
Его друзья, ученики или поклонники? Искусствоведы и критики?

Все дети с рождения художники.
Интересно наблюдать, как они руками рисуют. Их завораживает смешение красок на листе бумаги, и когда весь белый лист заполнен цветом – они считают свою миссию выполненной и яростно принимаются за следующий лист.
Потом они начинают использовать кисти и их завораживают цветные знаки, которые они старательно выводят на листе. Главенствует уже белый лист, только и успевай менять бумагу. В этот период им нравится рисовать параллельно с взрослыми, или детьми. А после «третейский» судья должен обязательно сказать, у кого получилось лучше! Тут присутствует дух соревнования.
Проходит время и им становится важен не только процесс, но и результат, который всем нравится и который хвалят. Тогда они хитро настаивают на совместном творчестве в рамках одной работы. Совместное творчество обязательно должно быть веселым, иначе, зачем оно…
В дальнейшем это становится игрой, если взрослый любит краски, то его легко завлечь в совместное времяпрепровождение. И в этот момент ребенок становится взрослым, а взрослый - ребенком.
Повзрослев, они прячут художника глубоко внутрь себя и используют его, увы, лишь в моменты самовыражения.

1. Точная дата его рождения неизвестна (возможно, 1526 г – 27 г), никаких подробностей времен его юности - нет.

2. В 1551 году король Фердинанд, заказал художнику роспись 5 гербовых щитов – после этого он стал известен, и его пригласили на должность придворного живописца.

3. Главный советник императора по созданию коллекции живописи и собиранию разных диковинок.

4. Мастер празднеств - организатор торжеств и турниров, главный декоратор, инженер механических машин.

5. Создатель музыкального инструмента – Цифровой клавесин.

6. Получил почетный придворный титул – пфальцграф.

7. Диптих «Адам и Ева» (фигуры которых состояли из тел младенцев) – был объявлен в Италии ересью.

8. Идея изобразить портрет Христа из всего, что нас окружает на земле, была не осуществлена под угрозой отлучения от церкви.

9. Предвестник сюрреализма.
(Сальвадор Дали заимствовал многие идеи Д.Арчимбольдо).

10. Сохранилось всего 20 работ художника. А было их больше сотни.

Хочу поделиться некоторыми мыслями, с которыми живу последние…. 20-25 лет)). А сподвигнул меня к этому фильм «Работа без авторства» ( 2018 г, режиссера Ф.Х. фон Доннерсмарка). Фильм не новый, и смотрел я его давно, но периодически в разговорах о происходящем в искусстве, к нему волей-неволей возвращаюсь…

В чем же достоинство этого фильма?
Кроме мастерски написанного сценария и отличной актерской игры…

В сюжет фильма вплетена биография Герхарда Рихтера, известного абстрактного художника. В честь Г. Рихтера написано множество художественных статей, обзоров, отзывов и если будет интересно, Вы без труда найдете их (кстати, ему фильм не понравился))). В фильме много размышлений о состоянии искусства вчерашнего и сегодняшнего дня…

Но, ради чего стоит его смотреть? Ради слов профессора Антониуса ван Фертена (прототип немецкого художника Йозефа Бойса, постмодерниста, внесшего неимоверно много в развитие искусства инсталляции).
- ЧТО ЕСТЬ ТЫ?
(это дубляж на русский с немецкого языка….поэтому перефразирую - ГДЕ ЗДЕСЬ ТЫ?)
Этот вопрос задает профессор своему ученику, глядя на его картины…

В одном этом вопросе заложена главная мысль: - Мало увидеть и зафиксировать, пиши только то, что основывается на опыте, пропущенном через себя на физическом и духовном плане… Или вообще не пиши…

Эрнст Неизвестный родился в апреле 1925 года в Екатеринбурге.

Прошел войну. Был ранен. Находился на грани жизни и смерти, но, выжил, благодаря полевому доктору, который не дал его похоронить.

В течении 1946-47 гг. проходил обучение в Рижской Академии художеств, затем в 47 г. становится студентом Суриковки, одновременно изучая философию в МГУ.

В 62 году участвует в «разгромной» выставке авангардистов, где в одиночку вступает в полемику с Н.Хрущевым.

После этого его скульптуры никто не заказывает. И он работает каменщиком, литейщиком и тд., а все заработанные деньги тратит на создание скульптур.

В марте 76 г. вынужден эмигрировать.

С 90-х годов, будучи известным мировым скульптором, Э.Неизвестный начинает появляться в Москве и Екатеринбурге с выставками

Возникает вопрос:
- Насколько допустим эпатаж в искусстве, и можно ли сегодня обойтись без него?

Крис Офили – очень неординарный интересный английский художник, стал известен публике после грандиознейшего скандала.
Одна из его картин - Дева Мария, стала предметом судебного разбирательства между мэром Нью-Йорка и Бруклинским художественным музеем ( 1999 г.). На картине изображена Черная Мадонна в окружении изображений из 97-ми журнальных фотоколлажей, чернокожих актеров и женских половых органов, с применением слоновьего помета. Нет-нет, Офили католик, не подумайте…
Просто, в Зимбабве, где Крис изучал наскальную живопись, он открыл навоз как "культурный символ регенерации".
Благодаря такому методу, в интерпретации сюжетов, Крис Офили становится популярным в мире искусства, и обсуждаем публикой.

Стоит задуматься:
- А был бы он известен, кому-либо, выражая свои мысли в традиционном подходе к живописи? Если бы он использовал обычные художественные материалы?
Вряд ли, или….

В 2020 году, в Москве, посетил выставку русского авангарда начала 20 века.
Первое идейное объединение художников-авангардистов. Около 100 художников поучаствовали в этом объединении.

Открыл для себя прекрасного художника. Э. Спандиков — живописец, график-иллюстратор, 1 председатель общества художников.
Его картины сразу привлекли мое внимание и запомнились. Свободная манера письма и великолепный колорит.
Известно о его творчестве мало: несколько картин и рисунков в Русском музее, театральные работы в Петербургском театрально-музыкальном, 1 значится в частном собрании... Судьба других неизвестна…. Говорят о 110 работах, а какова их участь….???
Работы выполнены в различных техниках: масло, гуашь, смешение стилей и т.д..
Он не получил профессионального художественного образования (по специальности – юрист), кроме курсов в школе Д.Кардовского.
Но, известно следующее:
- редактор-издатель журнала «Профессиональный вестник»
- популярен как свободный от академизма акварелист и рисовальщик.
- с его иллюстрациями выходит журнал «Весна» (журнал независимых писателей и художников)
- незаурядный колорист.
- член группы «Треугольник»
- иллюстратор детских журналов «Родник» и «Солнышко».
- вёл юридическую практику и обеспечивал правовую поддержку «Союза молодежи».

И собственно все…

Хотел вспомнить веселых художников, а потом подумал: А они есть?
Как думаете???

Вспомнил одного современного - Des Brophy.
Очень своеобразно завуалированная личность..
Нет даты рождения, нет интервью, нет упоминаний друзей художника, а есть некий бренд «Des Brophy», который регулярно выставляется в галереях круизных судов (для людей не бедных), а также в британских и международных галереях и выставках..
Нам рассказывают, что сам, Des Brophy, родился в Дублине. Бывший военнослужащий ВВС, много лет, отработавший в полиции Шеффилда.
И хватит…

Даже беглого взгляда, на эти картины, достаточно чтобы понять, что созданы они разными художниками, или любителями...
Видимо эта тенденция становится очень популярной сегодня…
У нас ее представляет, например - Никас Сафронов, правда мало профессионально, но тем не менее..

Кстати, во все времена у известных художников были подмастерья, но чтобы их нанять маэстро приходилось показать себя, в своих произведениях, во всей красе. Да и подмастерья были профессионалами своего дела..
Увы, но это сегодняшняя реальность..
Но, каждому свое….

А картины, бренда Des Brophy, смешные и вызывают улыбку.

Недавно, в Истре, проходила выставка «Марк Шагал: между небом и землей». И нужно отметить, что из 240 работ, представленных в экспозиции, около 80% были из частных коллекций.
Особенно интересно было увидеть медные гравюрные доски, библейской серии!
Медные листы красивы сами по себе, а тут еще чудесная графика поверх метала!
Офорт - техника оттиска изображения.
Данные работы, выполнены особым методом, художник процарапал рисунок специальной сухой иглой. Затем пластину залил краской, она попала в углубления, а излишки убрал губкой. Под силой пресса на бумаге отпечаталось изображение с метала. А уже потом, Шагал их раскрасил вручную!

В целом мне показались странными 2 вещи:
Первое - проведение крупнейшей выставки в Истре…
Но когда я узнал цепочку мыслительного процесса куратора, все понял…, и… улыбнулся:
1. В 1931 г. Шагал, выполняя заказ парижского издателя, побывал в Иерусалиме (Израиль) - поэтому выставка в Новом Иерусалиме…
2. Плюс большое количество Библейских работ.. – поэтому Новый Иерусалим…
Второе - покраска стен, убивающая художественные произведения. Посмотрите на фото и Вам сразу станет понятно: «синее на синем», «белое на желтом» и т.д.

А еще…, Шагал был поэтом и об этом мало кто знает..

«Я сын Твой, ползать
рожденный на земле.
Ты дал мне краски в руки, дал мне кисть,
а как Тебя изображать — не знаю.

Вот это небо? Землю? Свое сердце?
Руины городов? Горящих братьев?
Глаза слезами полнятся — не вижу,
куда бежать, к кому лететь...»

Множество мифов придумано о художниках:
1.«Художники обладают феноменальной зрительной памятью..» - это глупость, иначе все художники работали бы в полиции…. Какое счастье, что Холмс играл на скрипке, а не рисовал картины…

2. «Все художники пьют для вдохновения..». Конечно пьют, как и все, но не за этим)) . Написание картины, процесс длинный и требует много физических сил, так как эмоциональное напряжение очень велико…
После работы приходит ощущение полного опустошения, и тут…нужно как-то восстановиться..

3. «Художник передает сходство с объектом изображения на уровне фотоаппарата..»…. «Если рисует портрет, то однозначное сходство с портретируемым…» - тоже заблуждение…
Иногда смотришь фотографии, знакомого лица и понимаешь – они все разные! Со сменой настроения, света, физического состояния, лицо сильно меняется и т.д.

4. «Художник живет вне времени…» - не могу понять, откуда эта мысль возникла…. Каждый художник пропускает сквозь себя повседневность жизни и важно то, что он выносит из этой реальности…
«Искусство должно быть выражением любви, или оно ничто». М.Шагал.

5. «Художник должен пройти сквозь страдания, чтобы создать что-то стоящее…» - еще один неадекватный миф…
Страдания разрушают художника, его произведения начинают отражать темную сторону бытия. Другое дело – сострадание, но это уже не миф…

«Целью искусства является вымывание пыли из повседневной жизни наших душ». П.Пикассо.
Художник видит то, что не увидели другие, в этом суть искусства и смысл нашей работы!

Нарисовал графику с таким названием... Кто из нас задумывался о том, что было бы, если бы Отелло не задушил Дездемону?
Направил свой гнев в другое русло…
Родилось бы у них много маленьких загорелых ангелочков, жили они долго, счастливо и умерли в один день…
.....
А придумал эту «чудесную» историю не Шекспир, а Джиральди Чинтио (Giraldi Cintio), испанец по рождению, преподаватель, писатель, ученый, написавший небольшую новеллу «Венецианский мавр», для своего литературного сборника.
В 1565 году, в Мантуе, была издана книга его новелл "Ecatommiti".
Мрачное повествование о нравах итальянского общества того времени.

Кстати, что принесли мавританцы в Испанию мне известно:
- поэзию
- музыку
- моду
- и конечно архитектуру….
Одна Альгамбра в Гранаде чего стоит…

А что принесли испанцы в Африку……, я не слышал?

Норвежский художник – экспрессионист, о котором написано множество исследований. И ранее, в германской прессе, и сегодня, в основном, речь идет о психических атаках, отношениях с женщинами и т.д. Все эти трактаты имеют отдаленное отношение к художнику Э.Мунку.

В июне 2019 года, Третьяковская галерея представила в своих залах небольшое собрание работ художника. С удовольствием посетил выставку.
И, признаюсь честно, у меня не осталось ощущения помешательства Э.Мунка..

Темы его работ глубоки, эмоциональны, всегда не поверхностны, и благодаря этому очень откровенно трогательны…
Мне очень понравились ассиметричные композиции картин, с обрезанными фигурами, активные темные тени от персонажей и предметов, цветовые неуравновешенные пятна…

В работе «Поцелуй» - слитые в единое пятно лица, в холсте «Дикий красный виноград» - обрезанное темное лицо внизу не обваливает компоновку, за счет активного красного дома, расположенного выше центрального уровня, в «Смерть Марата» - темная тень справа уравновешивает целых две фигуры…
Очень интересно в его работах наблюдать соединение импрессионистического влияния с модерном, Работа жидким маслом создает глубину и эскизную легкость. Нет картин «записанных» и одновременно нет незаконченных.
Очень красивая небольшая работа «Под яблоней», к сожалению, повешенная на темной стенке, предвестник множественного тиражирования в картинах его последователей.
Великолепный автопортрет художника, «Полуночник», выглядывающего из глубины пространства на зрителя, надолго врезается в память.

«Писать для меня — это болезнь и опьянение. Болезнь, от которой я не хочу отделаться, опьянение, в котором хочу пребывать. Дело не в том, что мне обязательно нужно держать кисть в руках. Это бывает редко. Проходят дни, даже недели, а я не сделаю и одного штриха. Но я все равно работаю над своими картинами...» - отрывок из заметок Э.Мунка.

А между тем, за весь творческий период, Э.Мунк сотворил огромное количество работ: 1000 живописных картин, около 4000 рисунков и почти 16000 гравюр.
Согласитесь, редко какой художник может похвастаться такой плодовитостью…

В свое время в ГМИИ Пушкина, проходила выставка - Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд и Лондонская школа. Там я увидел картины одного мало популяризируемого, до совсем еще недавнего времени, художника Д. Бомберга.

Среди картин, знаменитых английских художников, эти полотна «стояли особняком», но было в них что-то притягивающее взгляд.

Хочу поделиться подробностями творческого пути этого интересного человека…
1. Родился в бедной семье польских иммигрантов поселившихся в Англии.

2. В его творческой судьбе принял участие Д. С. Сарджент, посредничеством которого он поступил в престижную школу искусств Слейда.

3. Его работы до и после первой мировой войны кардинально отличаются. Это связано с изменением цветового восприятия и мировоззрения. Сохранилось его высказывание: - Пока я не побывал в Иерусалиме, я «не видел солнечного света».

4. Художник проживал, какое-то время, в Одессе ( 1933 г.). Однако, после прихода Гитлера к власти в Германии, быстро уехал в Лондон, где вышел из рядов коммунистической партии.

5. Д.Бомберг не следовал традиционным принципам преподавания, вступая в конфликты с руководством учебных заведений, поэтому его карьера УЧИТЕЛЯ не складывалась.

Не смотря на это, его учениками являлись: Ф Ауербах, Л. Коссофф (участники выставки упомянутой выше), К. Холден, Д. Мид, Д. Креффилд, М. Ричмонд, Л.Марр – знаменитые представители английской школы искусства.

6. Жажда солнца, привела его из Лондона на Кипр, но лишь на короткое время, после чего он отправился в Ронду (Испания), с намерением открыть там свою художественную школу. Но, увы, этот проект постигла неудача.

7. Его жизнь в Англии походила на жизнь «нищего» - небольшие доходы жены, денежные переводы сестры.

8. Не смотря на участие в выставках, художественные критики его не замечали.
Он умер в 1957 году почти безвестным. На следующий день, после его смерти, «Таймс» опубликовала заметку, восхваляющую художника за его «независимый взгляд».

9. Сегодня Д.Бомберг считается одним из основных британских художников 20 века. За его работами гоняются коллекционеры, его работы жаждут получить художественные музеи всего мира…

10. Лондонский Южный университет, в котором преподавал Д.Бомберг, решил построить галерею, в которой можно было бы показывать коллекцию из 150 работ художника.

Мне очень нравятся его произведения испанского периода: зарисовки, пейзажи, портреты.
Работа широкой щетиной, дает ощущение твердой руки автора. Всегда точно схваченные человеческие характеры. При поверхностном взгляде есть ощущении скупости палитры, но подходя ближе, видишь невероятно красивые замесы. Работы впечатляют…

С чего начинается картина? Как она созревает в голове? И почему хочется поделиться этим откровением с кем-то?
Загадка…

Когда работа на заказ – все понятно! Сказали, какая тема, где будет висеть, определили в каких тонах и т.д. – все ясно, осталось нарисовать, написать, учесть замечания заказчика, в процессе работы, не потерять при этом свое лицо и радостно передать клиенту…
Как говорит моя знакомая художница: «Накрасила, получила деньги и гуляю в свое удовольствие!»

А когда без заказа?

Вот захотелось мне выразить то, что с детства всем известно – история Адама и Евы...
Меня частенько мучили вопросы:
- Если Бог предупредил, не есть плодов с одного дерева, значит, наперед знал, что произойдет?
- В чем предназначение Адама и Евы в Райском саду?
После изгнания понятно, с них пошел род человеческий… А до этого?

Или это только у меня возникают такие мысли, ???

Иногда, с удовольствием изучаю ресурсы посвященные живописи и графике, «благо», теперь искусственный интеллект решает, что мне интересно смотреть, а что нет…И вижу, очень большое стремление людей к творческому самовыражению и это несказанно радует!
Чем больше творческих усилий, тем выше, рано или поздно, будет «планка» художественных работ. Вероятность того, что количество перерастет в качество, очень велика…
Для меня не принципиально насколько профессиональны эти попытки самовыражения, главное чтобы это было «честно», исходило их первоисточника, от корней... А опыт и твердая рука – дело наживное…
Жаль, виртуальные площадки не дают возможности ощутить энергию, исходящую от работы, но зато можно увидеть ИДЕЮ картины, что важнее всего в творчестве!
А вот, что ввергает меня в недоумение, это фотографии чудесных девушек (женщин), в роскошном наряде для фотоснимка, в обнимку со своей картиной…

Пытаюсь понять, что или кого, нужно оценить???
Может быть, в этом заложена глубоко скрытая идея?...
И все же….., так хочется, чтобы искусство было ради искусства, а красота ради красоты..

Иначе, наступит момент, когда отношение к творчеству художника будет как в старом анекдоте:
— Дорогая, ты вызывала сантехника?
— Да!
— А пришел художник?
— Ну, пусть тогда унитаз распишет!

На ум приходит такой замечательный афоризм:
«Искусство — это сотрудничество Бога и художника, и чем меньше участие художника, тем лучше».